近日，《音乐周报》刊发《四大误区，正在消耗传统声乐生命力！》一文，其中引述天津音乐学院教授赵振岭的观点，指出当前戏曲与民族声乐发展存在“四大误区”。文中指出的这些病灶确实存在，但现实情况相对多元复杂，若将使用麦克风与艺术本真完全对立起来，恐怕也容易滑向另一种偏颇——忽略了当代剧场复杂的物理声场。

赵振岭教授在采访中以老生名家凌珂“不负此声”清音会为引，将“无麦演出”树为戏曲演唱回归本真的典范，并以红木、翡翠作比，给人的感觉是，麦克风之于戏曲，犹如劣漆之于良木，遮蔽了天然质感。

但扩音设备是否等同于艺术本真的流失？这取决于场合，而非设备本身。

前几天，笔者在上海东方艺术中心听了一场京剧演唱会。京剧名家梅葆玖的弟子、上海徐汇燕萍京剧团团长周燕萍给人留下深刻印象——她吐字清晰，声音绕梁三匝，灌满整个歌剧厅。值得注意的是，她所使用的扩音条件与其他演员并无差别。但声音“响”并不等于表现力的提升，功底不足者即便借助扩音，也难以支撑完整的表达；真正有功力的演员，即使使用麦克风，声音的核心质感依然清晰可辨。高下之分，观众往往一听便知。这也说明，麦克风并不会自动掩盖艺术的真伪，真正的功力，在扩音条件下反而更容易显现。

“有麦”与“基本功不足”，并非简单的因果关系。现实远比这种判断复杂：有麦的舞台上，同样能听出高下；无麦的环境中，也未必人人都站得住。麦克风只是外在条件，功底才是内在支撑，两者不能混为一谈。

赵振岭教授对麦克风的批评，还有一个隐含的前提：理想的演出场所是小型传统剧场，乃至茶馆园子。在这个前提下，无麦当然更接近戏曲原生的声场关系。但当代中国的演出生态，显然已不止于此。

笔者又想起在上海朱家角课植园观赏的昆曲实景演出。那是精心设计的小空间，演员与观众近在咫尺，水声、风声与唱腔融为一体，无麦的选择恰到好处，效果令人动容。这样的演出，证明了户外无扩音演出的独特价值与可能性。

然而，这一成功并不能推及所有场合。很多现代大剧院是为多功能设计的，声学混响并不完全适合纯人声戏曲。当舞台扩展至一定体量，没有扩音系统，后排观众根本听不到声音，更谈不上体会其中的韵味。此时，麦克风已不是“掩盖缺陷的工具”，而是现代演出制作体系的必要组成部分。

因此，笔者以为，对麦克风的使用，可以区分三种场景来讨论：在设计良好的小型剧场，“禁麦”是值得倡导和推广的艺术追求；在面向大众的中型剧场，适度用麦、精细调音，是负责任的专业选择；而在声学设计不佳的现代综合性剧场甚至户外演出，扩音是必要手段。三种场景，三种对待，用“过度依赖”来概括，恐怕不太准确。

文章援引凌珂个案，证明“通过科学训练，可以完全摆脱麦克风”，这种探索当然值得尊重。但凌珂的成功是个案，更是特例。对大多数需要在大剧场直面观众的演员来说，如何“驾驭”麦克风，而非“戒掉”麦克风，才是更现实的课题。

笔者认为，真正值得提倡的，是另一种态度：无论有麦无麦，演员都应当把嗓音功底视为立身之本，把声音的控制力、表现力和细腻的情感传达视为毕生追求。周燕萍在那个众声喧哗的舞台上之所以令人难忘，正是因为她没有因为有麦克风而放松对自身发声的要求。很多时候，麦克风开得越轻，观众反而听得越专注——前提是演员自己站得住。当演员真正具备驾驭声音的能力，扩音条件的轻重本身反而退居次要。说到底，功底是否扎实，有麦没麦都藏不住。

笔者对赵振岭教授观点的讨论，并非否定其对传统声乐发展问题的关切，而是希望在这些重要问题上，我们能够保持更为审慎和开放的分析态度。麦克风之争，折射出的是传统艺术如何在现代舞台生态中寻找自身位置的问题，需要从业者、研究者和评论界共同通过实践检验、以学术探讨来回答。

京剧、昆曲、歌剧等不同的艺术形式同在当代舞台上绽放，各有其道。传统声乐的生命力，不在于固守某一种单一形态，而是在不断变化的环境中，探索出适合自己的生长方式。

邱克/文